10 Obras imprescindibles que debes ver en el Museo del Prado

Guía de las 10 cosas que hay que ver en el Museo del Prado de Madrid

El Prado de Madrid es uno de los museos más importantes del mundo, y merece la pena dedicar un buen número de horas a visitarlo. De Caravaggio a Goya, de Rafael a Velázquez, el Prado recoge la historia del arte europeo de los últimos cinco siglos. Para poder visitarlo con tranquilidad, lo mejor es ir al Prado en días laborables, encontrarás menos gente. Si llevas muchas maletas, es posible que tengas que esperar un poco para entrar, ya que no hay muchos compartimentos. El Prado cuenta con una eficaz clínica en el edificio de los Jerónimos: una garantía para los que se arriesgan al “síndrome de Stendhal”.

Las Meninas de Velázquez

Las meninas de Velázquez ©Museo Nacional del Prado

Este es el anómalo retrato de la familia real de Velázquez. La infanta Margarita, que se encuentra en el centro del cuadro, te sigue con la mirada desde donde estés.

Al fondo, a la izquierda, puedes ver al propio Velázquez mirándote. Si se presta atención, en el espejo que hay detrás del pintor se ve al Rey y a la Reina posando. La escena cambia entonces por completo de perspectiva: los sujetos a los que se mira están en realidad mirando a la pareja real cuyo retrato está pintando Velázquez.


El Descendimiento de Van Der Weyden

El Descendimiento de Van Der Weyden ©Museo Nacional del Prado

El cuadro de Rogier van der Weyden es la parte central de un tríptico del que se han perdido los paneles laterales.

El cuadro se centra principalmente en el cuerpo torturado de Cristo y en el cuerpo yaciente de la Virgen. La posición de los dos cuerpos es muy similar, como para simbolizar el vínculo materno, y para subrayar cómo el sufrimiento es muy parecido en ambos sujetos. Alrededor de la escena central, retratada en la inmovilidad típica de la pintura medieval, se encuentran otros personajes, como la angustiada Magdalena, a la derecha del cuadro, José de Arimatea y el apóstol Juan.


La Anunciación de Fra Angelico

La Anunciación de Angelico Fra ©Museo Nacional del Prado

Guido Trosini, llamado Giovanni da Fiesole en su día fraile, y más conocido como Beato Angelico, representa en este cuadro a la Virgen recibiendo al Arcángel Gabriel.

Beato Angelico pintó varias versiones de La Anunciación, prestando gran atención al simbolismo de los colores. La Virgen, por ejemplo, lleva un manto azul, color que siempre se ha asociado a lo divino, mientras que para el Ángel utiliza tonos rosas, para indicar el ser que une el cielo y la tierra. En el fondo del cuadro, Adán y Eva, asustados por lo que está ocurriendo, tienen colores más oscuros, para enfatizar la mancha del pecado original que les acompañará para siempre.


El Triunfo de la Muerte

El Triunfo de la Muerte Bruegel el viejo, Pieter ©Museo Nacional del Prado

Bruegel es un artista muy singular: mientras sus contemporáneos intentaban embellecer iglesias y palacios nobles, él retrataba a los feos y deformes que vivían en el campo.

Además, Brugel el Viejo, creó algunas obras con escenas de época, en las que los personajes son solo partículas de un gran Universo. Así ocurre en “El triunfo de la muerte”, donde ejércitos de esqueletos devastan un pueblo sin perdonar a nadie. No importa si son Reyes, Sacerdotes o pobres campesinos: su destino ya está sellado. Los únicos que parecen inmunes a la tragedia son los dos jóvenes de la parte inferior derecha, que siguen amándose con ternura.


El jardín de las delicias del Bosco

Tríptico del jardín de las delicias del Bosco ©Museo Nacional del Prado

La obra es un tríptico rico en simbolismo, creado en dos alas. Cuando se cierran, se representa la creación del mundo en la superficie, con una aparición divina en la parte superior izquierda.

Dentro de la puerta de la izquierda, el Bosco pinta su visión personal de un paraíso terrenal, poblado por criaturas que viven pacíficamente entre ellas. La puerta de la derecha, en cambio, representa un fantasioso infierno en el que criaturas demoníacas son sometidas a horribles torturas. En la parte central, el Bosco pinta una especie de “término medio” entre el infierno y el cielo, donde están representados todos los vicios de la humanidad.


David y Goliat Caravaggio

David vencedor de Goliat Caravaggio. Michelangelo Merisi ©Museo Nacional del Prado

El cuadro forma parte de las obras que Michelangelo Merisi, conocido como “Caravaggio”, creó en el último periodo de su vida.

La habilidad de Caravaggio para utilizar la luz a su gusto en sus obras resalta de forma impresionante la expresión desfigurada del gigante caído en la batalla. El parecido de Goliat es el del mismo pintor que, tras ser condenado a la decapitación por el asesinato de un hombre durante una discusión, comenzó a dibujar obsesivamente escenas de personas decapitadas con su rostro. ¿Alguien tiene el valor de culparlo?


El camino del calvario

Caída en el camino del Calvario
Rafael ©Museo Nacional del Prado

La escena retratada por Rafael fija un momento extremadamente doloroso del Vía Crucis de Jesucristo.

En este cuadro Rafael consigue concentrar todas sus mejores cualidades, utilizando una espectacular combinación de colores para dar un tono aún más dramático a la escena de Cristo desplomándose bajo el peso de la cruz. La mirada de Jesús, dirigida a las mujeres que siguen la desgarradora procesión (entre las que se encuentra también la Madonna), está llena de sentimiento doloroso, así como las miradas de sus verdugos, capaces de atravesar al espectador, generando un infundado sentimiento de culpa por la suerte del Redentor.


Los fusilamientos del 3 de mayo

El 3 de mayo en Madrid o ”Los fusilamientos” de Francisco de Goya y Lucientes ©Museo Nacional del Prado

Goya plasma de forma impresionante el fusilamiento de los rebeldes españoles por el ejército francés en mayo de 1808.

El pintor hace un gran uso del simbolismo en este cuadro, para realzar espectacularmente las emociones. El pelotón de fusilamiento está formado por seres sin rostro, autómatas que cumplen mecánicamente las órdenes. Frente a ellos está el calor y la transfiguración de la muerte en los gestos de los alborotadores, cuyos rostros muestran miedo, rabia y angustia ante el inminente final. La escena está iluminada por una linterna, colocada entre los soldados y los condenados, para representar la luz de la historia que pone de manifiesto la violencia de la guerra.


La Maja desnuda y Maja vestida de Francisco Goya

Maja desnuda de Francisco de Goya y Lucientes ©Museo Nacional del Prado

La “Maja” es una mujer del pueblo, y para la época en que se hizo, era un escándalo que fuera objeto de un cuadro. Además, la “Maja Desnuda” hace alarde de sus rasgos, y es fácil entender por qué la obra de Goya despertó el interés de la Santa Inquisición.

Al parecer, la mujer del cuadro era la amante de Godoy, el presidente del Gobierno español, que quiso que se la retratara primero desnuda y, tras casarse con otra mujer por orden del Rey, vestida. Mientras que en la “Maja Vestida” Goya renuncia a todo artificio técnico, en la “desnuda” utiliza muchos trucos y juega con la luz. ¿Es solo un truco para mantener a una mujer sin ropa en su estudio por más tiempo?


Las esculturas del Prado

El Prado alberga más de 900 esculturas que recorren la historia del arte desde la época clásica hasta el siglo XIX.

Muchas de las esculturas que se pueden ver en esta sección del museo, son, por supuesto, copias de los originales, pero también hay algunos originales interesantes, como la cabeza del romano Diádoco, de la época griega. Son muchas las obras que merecen ser vistas durante el recorrido por el Prado, entre ellas también encontrarás importantes realizaciones de artistas italianos: desde “El Hermafrodita” que Velázquez encargó a Bonarelli de Lucca, hasta la particular “Venus” de Ammannati.

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